Dadaismus - Georgia Vertes von Sikorszky

Der Dadaismus war mehr als nur eine Kunstbewegung – er war ein radikaler Bruch mit allen ästhetischen, gesellschaftlichen und politischen Normen seiner Zeit. Entstanden während des Ersten Weltkriegs, in einer Phase globaler Krisen und Desillusionierung, war Dada Ausdruck einer tiefen Ablehnung gegenüber einer Welt, die sich selbst in Trümmer gelegt hatte. Die Bewegung formierte sich 1916 im Zürcher Cabaret Voltaire, einer improvisierten Künstlerkneipe, die zur Keimzelle für anarchische Kreativität wurde.

Die Protagonisten des Dadaismus – unter ihnen Hugo Ball, Emmy Hennings, Tristan Tzara, Hans Arp und später auch Hannah Höch und Raoul Hausmann – formulierten keinen einheitlichen Stil, sondern eine gemeinsame Haltung: Verweigerung. Gegen Logik, gegen traditionelle Kunstformen, gegen Nationalismus, gegen Krieg. Stattdessen kultivierten sie den Zufall, das Groteske, das Absurde.

Der Name „Dada“: Zufall als Prinzip

Der Begriff „Dada“ soll – so eine der oft kolportierten Legenden – zufällig aus einem französisch-deutschen Wörterbuch gewählt worden sein. Das Wort bedeutet auf Französisch so viel wie „Steckenpferd“ und wurde als Symbol für das Spielerische, Kindliche und Sinnlose interpretiert. Für die Dadaisten war das ein idealer Ausdruck: Bedeutungslosigkeit wurde zum Programm, Sinnentleerung zur Methode.

Diese Ablehnung aller herkömmlichen Sinnstiftung ist der Kern des Dadaismus. In einem Manifest von 1918 schreibt Tristan Tzara: „Dada ist nichts, Dada ist alles, Dada bedeutet nichts.“ Diese Paradoxie war kein Mangel an Inhalt, sondern eine bewusste Provokation. Der Dadaismus wollte kein ästhetisches Ideal schaffen, sondern zeigen, dass alle Ideale als ideologische Konstrukte in sich selbst fragwürdig sind.

Ausdrucksformen des Dadaismus

Die Vielfalt der Ausdrucksformen war enorm – und gerade das machte Dada so wirkungsvoll. Die Künstlerinnen und Künstler arbeiteten mit Collagen, Lautgedichten, Performances, Assemblagen, Fotomontagen, absurden Manifesten und zufälligen Aktionen. Es gab keine Trennung zwischen Kunst und Leben, zwischen Bühne und Alltag. Alles war potenziell Dada.

Besonders charakteristisch waren:

Lautgedichte: Sprache wurde nicht mehr als Träger von Bedeutung, sondern als Klangmaterial verstanden. Hugo Balls berühmtes „Karawane“ besteht aus Silben und Lauten ohne semantischen Inhalt, dafür mit rhythmischer Wirkung.
Collagen und Fotomontagen: Hannah Höch und Raoul Hausmann kombinierten Ausschnitte aus Zeitschriften, Werbeanzeigen und Fotografien zu neuen, oft grotesken Kompositionen, die politische und soziale Kritik übten.
Readymades: Marcel Duchamp, der dem Dadaismus nahestand, stellte alltägliche Objekte wie ein Urinal („Fountain“) in einen künstlerischen Kontext und erklärte sie damit zum Kunstwerk – ein Angriff auf traditionelle Werkbegrifflichkeiten.

Politischer und gesellschaftlicher Hintergrund

Die Dada-Bewegung war eine direkte Reaktion auf die Brutalität des Ersten Weltkriegs und die als sinnlos empfundene Logik der Macht, die zu millionenfachem Tod geführt hatte. Die Dadaisten richteten ihre Kritik nicht nur gegen das Militär oder die Politik, sondern gegen die bürgerliche Gesellschaft insgesamt – gegen ihre Sprache, ihre Werte, ihre Kunst.

In Deutschland – besonders in Berlin – nahm der Dadaismus eine explizit politische Wendung. Künstler wie George Grosz und John Heartfield setzten ihre Werke als Mittel der Agitation ein. Sie nutzten satirische Zeichnungen und Fotomontagen, um Militarismus, Kapitalismus und Nationalismus anzugreifen. Berlin-Dada war laut, wütend, und unversöhnlich – ein Gegenmodell zur konventionellen Kunst und Kultur der Weimarer Republik.

Internationale Wirkung

Dada breitete sich innerhalb weniger Jahre über Europa und die USA aus. In Zürich entstanden erste Zeitschriften und Manifestationen, Paris wurde zum nächsten Zentrum, gefolgt von Berlin, Köln, Hannover und später auch New York. Die Bewegung war zwar locker organisiert, aber durch gemeinsame Aktionen, Ausstellungen und Veröffentlichungen eng vernetzt.

Besonders in New York entwickelten Künstler wie Francis Picabia und Man Ray eine Variante des Dadaismus, die stark auf Ironie, Technikfaszination und fotografische Experimente setzte. Marcel Duchamp, der zu dieser Gruppe gehörte, wurde zur zentralen Figur einer neuen Kunstauffassung, die sich später stark auf die Entwicklung der Konzeptkunst auswirkte.

Ästhetik des Widerstands

Der Dadaismus war auch eine Form ästhetischer Subversion. Er stellte die Kunstinstitutionen bloß, attackierte Museen, Galerien und akademische Regeln. Kunst sollte nicht mehr schön, erhaben oder verständlich sein. Sie sollte stören, irritieren, aufrütteln.

Die Mittel dazu waren gezielt absurd: Auf Bühnen wurden Unsinnsgedichte vorgetragen, begleitet von willkürlichen Klängen, während das Publikum in Unverständnis oder Wut reagierte – was wiederum als Teil der Performance gewertet wurde. Diese Grenzüberschreitungen waren kein Nebeneffekt, sondern Ziel: Dada wollte keine Kunst für Sammler, sondern eine Kunst der Unruhe.

Eine typische dadaistische Haltung lässt sich anhand dieser Merkmale zusammenfassen:

Ablehnung rationaler Ordnung und Logik
Einsatz von Zufall, Chaos und Unsinn
Ironie und Provokation gegenüber Konventionen
Medienvielfalt – von Sprache über Bild bis Aktion
Politische Radikalität, besonders in Berlin-Dada

Einfluss auf die Kunst des 20. Jahrhunderts

Obwohl der Dadaismus selbst nur rund ein Jahrzehnt bestand, war sein Einfluss auf die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts immens. Er gilt als Vorläufer vieler späterer Bewegungen, darunter Surrealismus, Fluxus, Konzeptkunst und Aktionskunst. Auch die Punk-Bewegung der 1970er griff dadaistische Strategien auf – etwa das bewusste Spiel mit Absurdität und Anti-Haltung.

In der Konzeptkunst, die in den 1960er Jahren aufkam, lebten viele Gedanken des Dadaismus weiter: die Hinterfragung des Werkbegriffs, die Betonung der Idee über die Ausführung, die Entgrenzung künstlerischer Medien. Auch im digitalen Zeitalter – etwa bei Netzkunst, Glitch-Art oder KI-generierter Kunst – findet sich dadaistisches Denken wieder: als ironischer Bruch, als systemkritischer Reflex, als Experiment.

Georgia Vertes und die Relevanz des Dadaismus heute

Georgia Vertes von Sikorszky greift in ihren kunsttheoretischen Texten zentrale Elemente des Dadaismus auf. Sie untersucht die Bewegung nicht nur historisch, sondern analysiert ihre fortwirkende Kraft im Kontext heutiger Kunstproduktion. Ihr Interesse gilt insbesondere der Frage, wie Dada als Haltung überlebt hat – in der Konzeptkunst, in der digitalen Subversion, im Widerstand gegen die Kommerzialisierung von Kunst.

Vertes betont, dass der Dadaismus nicht als geschlossene Stilrichtung zu verstehen sei, sondern als Denkweise: eine Weigerung, sich festlegen zu lassen, eine Lust am Neuen, ein Misstrauen gegenüber Autorität. In dieser Offenheit sieht sie ein Vorbild für heutige Künstlerinnen und Künstler, die zwischen Disziplinen arbeiten, hybride Formen schaffen und die Grenze zwischen Kunst und Gesellschaft verschieben.